VALTARI-SIGUR ROS

VALTARI-SIGUR ROS

La banda regresa a sus orígenes con un disco mucho más introspectivo, hipnótico, onírico, capaz de transportarnos a otro lugar y hacernos olvidar por completo este mundo. A través de 8 pistas “Valtari” nos guía de la mano por la mente de sus creadores, con canciones oscliando entre los 5 y 8 minutos de duración, concediéndonos un lienzo sobre el que solo nosotros mismos podremos pintar.


Sin caer en ser solamente “el nuevo disco” de Sigur Rós, la banda opta por volver a lo que los convirtió en esa banda cautivadora, enigmática y emblemática de ese tan indefinido género conocido como “ambient rock”.


El álbum abre con “Ég Anda” y los ecos de la introducción del Takk comienzan a rondar de nuevo por los oídos. Es ambiental y muy orgánica, con suaves arpegios eléctricos que anuncian el nacimiento de una nueva etapa, dando entrada a la inconfundible voz de Jónsi que por fin, después de tres minutos y medio, nos confirma que Sigur Rós está de vuelta. Esta propuesta mesurada es la que se sigue proyectando en el segundo track “Ekkí Múkk”, que no es muy diferente al anterior.


Pero no es sino hasta “Varúð” donde se alcanza, tempranamente, el clímax que todo disco de Sigur Rós debe tener. Considero a este tema como el mejor de la producción y uno de los mejores en todo su catálogo. Suena experimental en su introducción, sin embargo los matices orgánicos se hacen presentes de inmediato con soberbios violines que rechinan atrás de las voces; su estribillo es un constante y lento ascenso entre nubes de colores y su cierre se da en ese tradicional.


Entonces llega “Remibihnútur”, que pretende que descendamos lenta y cuidadosamente entre campanas y coros; como una asimilación. Durante los siguientes dos temas, “Dauðalogn”y “Varðeldur”, se mantiene una línea sonora suave de baladas delicadas y casi acústicas, de esas que perfectamente pudieran ser parte de nuestro soundtrack para levantarnos de la cama en un amanecer frío, lleno de brisa, y esperar con optimismo lo que el día nos tenga preparado.
El tema que le da título al disco, es aún más ambiental; totalmente instrumental y no cuenta con melodías digeribles ni círculos sonoros ortodoxos, pero sí puede llegar a envolvernos en un momento reflexivo lleno de paz interior.



Entonces, sin darnos cuenta, y sin haber obtenido las mismas reacciones que otras de sus producciones nos provocan, pero tampoco sin decepción de por medio, llega la última canción del sexto álbum de los islandeses: “Fjögur píanó” ; otra pieza instrumental en donde el piano es quien habla en un vaivén de melodías ligeras que concluyen la historia de la misma manera en que inició.

Algunas canciones:

AMNESIAC

“Amnesiac”, quinto disco de la carrera de Radiohead, ha sido confeccionado con las canciones no incluidas en su anterior trabajo (publicado el pasado octubre de 2000) pero grabadas en las mismas sesiones junto con el productor Nigel Godrich. Aunque el grupo trate de convencernos en su campaña de promoción de que son dos discos independientes, no hace falta más que oír ambos para ver que tienen el mismo sonido o al menos, la misma línea experimental.

Si buscamos diferencias podemos apreciar que “Amnesiac” posee una estructura más lógica y compacta que su antecesor, que pecaba de un eclepticismo desmesurado. “Kid A” era una constante combinación de ritmos que acababan por desconcertar, y que a pesar de contener grandes canciones (“Idiotheque” o “The National Athem” por citar algunas) y ser considerado por muchos mejor disco de 2000, se quedaba en un conjunto de canciones sin una estructura lógica.

“Amnesiac” por su parte es más acertado aunque también más oscuro, más sombrío y más compacto. Todo en él gira en una sola dirección: LA MELANCOLÍA. Es un disco que se compone fundamentalmente de ambientes construidos en torno a pianos tétricos, arreglos de cuerda escalofriantes, líneas rítmicas asfixiantes y una voz que no canta, solloza.

Escuchando canciones como la desgarradora “You And Whose Army” la densa “Dollars and Cents” o el single “Pyramid Song" nos encontramos con algunas de las composiciones más depresivas en la historia del grupo (¿es necesaria tanta tristeza?). 

Pero lo innovador y arriesgado de su propuesta aporta muchos otros guiños:
En primer lugar a “Kid A” al rehacer una de sus canciones “Amnesiac/Morning Bell” a la que lavan la cara aportándole mayor densidad y emotividad. Igualmente a la electrónica: “Packt Like Sardines In A Crush Tin Box" o “Pulk/Pull Revolving Doors”. Al jazz (“Life In A Glass House”) e incluso a su propio pasado, con la increíble “Knives Out” (única canción con la que recuperan el tono épico de antaño).

De nuevo Radiohead han dado un paso adelante que les sitúa muy por encima de muchos de sus contemporáneos y les convierte en transgresores de la comercialidad.

Algunas canciones :

My Chemical Romance - Three Cheers For Sweet Revenge

My Chemical Romance

En la vispera del aniversario de la separacion de My Chemical Romance, quiero hacer esta reseña sobre mi disco preferido de este grupo “Three Cheers For Sweet Revenge”

Biografia previda del grupo

Para algunos seguidores y/o críticos del Punk Rock por igual, My Chemical Romance fue una banda que simplemente apareció de la nada en el año 2004 con un disco bajo el brazo, y una base de fans bien consolidada y de rápido aumento. Ese fue el año en que lanzaron su segundo álbum, y el que dio a conocer su nombre en todo el mundo, Three Cheers For Sweet Revenge. Sin embargo, muchas personas desconocían el hecho de que esta banda de New Jersey había nacido e iniciado su actividad en 2001, poco después de los sucesos del 11 de septiembre, en base a los que Gerard Way, sintiéndose indignado, escribió la canción que inició todo, “Skylines and Turnstiles”.


Three Cheers For Sweet Revenge sigue la línea de su predecesor: guitarras rápidas, baterías agresivas, gritos por doquier, y el tema que vincula ambos álbumes: tristeza y muerte. El álbum fue dedicado a la memoria de Elena Lee Rush, la abuela de Gerard y Mikey Way (Vocales y Bajo respectivamente).


La historia de este disco inicia luego de la muerte de los amantes. Él va al infierno, pero descubre que ella sigue viva. Entonces, le ruega a un demonio que lo deje volver para encontrarla, y este le ofrece un pacto: a cambio de las almas de 1.000 hombres malvados, le permitirá reunirse con su amada. Así, él vuelve a la vida, y se venga de todos los que le hicieron daño. A pesar de tener también una temática oscura, el álbum es muy variado, e incluso bastante divertido de escuchar. Para su promoción, se le dio un fuerte aire teatral, siendo presentado como una película (al igual que se hizo con la segunda versión en video del primer simple “I´m Not Okay (I Promise)”). La portada presenta una ilustración de los amantes del primer álbum, titulada “Demolition Lovers II”, realizada por el mismo Gerard Way, y el libreto dentro de la caja del CD fue hecho como un poster de película.

El pop-punk de hoy esta preocupado por quejarse de la lucha con sus padres , no tener amigos y no ser capaz de conseguir amor . Uno de los aspectos más refrescantes de este álbum ( en comparación con "the Drabble ' ) es la ficción. Tomemos por ejemplo la pista favorita de la banda " You Know What They Do To Guys Like Us In Prison ", que cuenta con letras como " Todos ellos hacen trampa con las cartas y las fichas se pierden / de mi compañero de celda a un asesino , me hicieron hacer flexiones de brazos.”.

El primer single de ”Three Cheers For Sweet Revenge ", "Im not Okay (I Promise ) , " nos muestra las más profundas, más oscuras, las cualidades más abstractas de la existencia humana, especialmente a través del uso de imágenes mórbidas. Aunque por desgracia la letra no es tan poético o citable como las de su primer álbum, las letras de este disco nos ofrece algo para provocar nuestro pensamiento y sólo un poco más real aunque un poco alegórica. En " Three Cheers For Sweet Revenge ", el vocalista Gerard Way realmente lo da todo , se encierra en un ático con nada más que un micrófono ( historia real ) . Para generar emocion, sus voces son ligeramente temblorosas, pero de una manera que da muchas pistas de una crudeza conmovedora , muy mejorado desde el último álbum. La voz de Gerard es taciturno , divertido y furioso en todos los lugares apropiados , pero la emoción a veces no es tan potente como uno podría imaginar que debe ser.

Si Three Cheers For Sweet Revenge fue el mejor álbum de My Chemical Romance o no, es debatible, ya que su predecesor,The Black Parade, subió mucho los estándares de la banda y del género pero el salto que dio My Chemical Romance de tocar en sótanos a compartir un escenario con Brian May de Queen, es un indicador del trabajo duro que hicieron durante sus 12 años de vida artística, y no es sino una parte del legado que dejaron en la historia del Punk Rock. 

JOY DIVISION

JOY DIVISION

“Closer” es un disco intensamente depresivo con un sonido devastador. Se grabó en 13 días y 13 noches y fue el segundo disco de Joy Division, grabado en vida de Ian Curtis, pero publicado después de su muerte con un título, una carátula y diseño dignos de una muerte plasmada en papel y en vinilo; después de la muerte Ian Curtis colgado en su propia cocina, el disco póstumo cobró mayor importancia y dramatismo, gracias a que la gente en general suele estar atraída por la muerte y el consiguiente mercadeo y más si se trata de un cantante tan carismático como Ian Curtis que padecía de epilepsia a una temprana edad y que sufrió la incomprensión de sus compañeros de grupo que más tarde se llamaron New Order.

El diseño de “Closer” es sobrio con un color amarillento y en medio de la portada una foto de velatorio de Bernard Pierre Wolff. En la cubierta frontal del disco figura esa foto con la palabra “Closer” y en la trasera “Joy Division” y contiene una perfecta conjunción de 9 canciones que una tras otra son una obra de arte.

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Comencemos por la primera obra de arte: en un sonido como si de sosa cáustica se tratase, nos encontramos con la descripción de la crueldad humana y el regocijo por el sufrimiento ajeno. “Atrocity Exhibition” nos describe el manicomio donde va toda la gente válida que hay en este mundo, en un momento u otro acaba en la más absoluta de las soledades, preguntándose porqué le miran tanto si ya han conseguido lo que querían: acabar con los realmente valiosos en esta sociedad.

El segundo corte comienza con una percusión electrónica acompasada a modo de túnel de sonido y aparece en escena el sintetizador construyendo un futurismo sonoro, pero con un claro mensaje de aislamiento, se repite una y otra vez: “Isolation”. El sonido se dulcifica un poco, pero sólo eso.

El tercer tema es “Passover” que significa “Pascua” que habla de la crisis sentimental que Ian Curtis tuvo con su mujer –Deborah Curtis- poco antes de morir suicidado.

El cuarto tema “Colony” es uno de mis favoritos por su inmediatez sonora; pero el mensaje siempre es el mismo: desesperanza, pesadillas, reproches y no saber muy bien porqué estamos aquí.

El quinto tema “A Means To An End” representa muy bien la sensación de tragedia griega de un joven europeo que ve sus ideales como algo muy familiar pero cada vez más inalcanzables. Un sentimiento de violencia contenida y frustración inunda esta canción.

El sexto tema y cambiamos de cara es “Heart And Soul”, que más tarde daría título a una caja con temas en directo, maquetas, demos y un montón de tesoros que aglutinan toda la discografía de Joy Division.

El séptimo tema “Twenty-Four Hours” es quizá el que más se acerca a la idea de suicidio de Ian Curtis (…una nube cuelga sobre mí, marca cada movimiento…). Abrumado por las giras, los viajes, el público que quería de él que representase su papel de loco en un escenario, cansado de tener alrededor gente que no le comprendía y ni siquiera prestaba atención a sus letras, Ian decidió que lo mejor sería alejar los problemas colgándose de su cocina, pero sólo era la idea. La consumación vendría después.

Con “The Eternal” el octavo tema del disco, uno siente las sienes palpitar por la emoción que transmite; es un tema reflexivo y a modo de procesión de Semana Santa a la manera inglesa, un hombre-niño abrumado por los acontecimientos saluda a las almas que le vienen a visitar como si fuera una columna de soldados alemanes. El ritmo del desfile es lento y hay flores tiradas por el suelo bañadas por la lluvia. La emoción se para y da lugar a la devastación de la personalidad en un lugar donde nada importa; no sabemos si estamos en el cielo particular de Ian o en las puertas del mismísimo purgatorio.

Acaba el disco más depresivo e intenso que he escuchado jamás. No es hablar a la ligera, pero una vez que escuchas “Closer” sabes que ya nada será igual y ningún otro disco artificial de sufrimiento adolescente puede hacerle sombra a esta obra magna que termina con una llamada de atención a la responsabilidad, la pérdida de ideales, y la falta de esperanzas.

Poco después de la grabación del disco Joy Division lanzaron al mercado un single con mucho éxito que Ian Curtis no pudo disfrutar. “Love Will Tear Us Apart” es todo un himno de amor, tan sincero como trágico, nos revela que el amor nos desgarra por dentro y el volcán se vuelve hielo y vuelta a empezar. Vivimos en la edad del hielo y ya nada nos puede afectar después de ver tantas exhibiciones de atrocidades.

Olafur Arnalds-Eulogy of Evolurion

Olafur Arnalds-Eulogy of Evolution

Este mes voy a hacer una reseña de “Eulogy of Evolution” (Eulogia de la Evolucion en español) de Olafur Arnalds

Este disco de genero neoclasica, es su con mas sonora, con una amplia orquestra, y titulos minimilisticos de sus canciones, basandose solo en numeros de 4 digitos, que coinciden con sus marcas de tiempo dentro de la duracion del disco (Si la cancion empieza en decimonoveno minuto vigesimocuarto segundo de los cuarenta minuros de la duracion del disco, dicha cancion se denominaria 1924)


El disco tiene una duracion corta aproximadamente en 40 minutos, y divididas en 8 canciones, cuyas duraciones oscilan entre 2 y 8 minutos.
Es sin duda su disco mas complejo, aunque puede llegar a veces ser repetitivo como es el caso de 3055 y 0942, aun asi, logra evocar emocion con 1953, o 3326 con una orquestra compuesta por mas de 30 intrumentos.
En si el disco tiene un tono muy melancolico, y cierta tristeza, como dijo el mismo artista, que quiso mostrarnos el camino desde la vida hasta la muerte lo consigue, y se puede observar claramente durante el transcurro de disco.

Aqui os dejo un play-list del disco entero para escucharlo

KID A

Este mes os voy a hablar del mejor disco creado este siglo, y quizás uno de los mejores de la historia de la música contemporánea: Si, estoy, sin ninguna duda, hablando de "Kid A", el disco que supuso un cambio de estilo exagerado para Radiohead, posiblemente el mayor cambio que se halla producido en cualquier grupo.
Han pasado más de 12 años desde su publicación, y es evidente la influencia que tuvo ese disco sobre la musica rock. La revista Rolling Stones referio a Radiohead como "los creadores del verdadero rock del futuro"
Tras el éxito de su 1997 álbum OK Computer , los miembros de Radiohead comenzó a sufrir el desgaste psicológico, sobre todo compositor Thom Yorke , quien sufrió una crisis nerviosa .

Después de "OK Computer", lo normal, lo que esperábamos la mayoría, era un disco que continuará con la fórmula que allí había quedado plasmada. A Radiohead les quedaba aún mucho por explorar en ese terreno, o eso creíamos, y lo que casi nadie se esperaba era un giro a la izquierda tan pronunciado. Sin previo aviso, Radiohead dejaron de hacer rock

Preocupado por los nuevos actos que él percibía como imitando el estilo de Radiohead, que creía que su música se había convertido en parte de un ruido de fondo constante que describió como "zumbido ", y se convirtió abiertamente hostil a los medios de comunicación la música.

Los trabajos comenzaron en Kid A con OK productor Nigel Godrich, sin una fecha límite

Yorke , quien tuvo el mayor control dentro de la banda, aún se enfrenta a un bloqueo de escritor, sus nuevas canciones estaban incompletas , y algunas consistían en poco más que una caja de ritmos

Radiohead terminó de grabar en la primavera de 2000 , después de haber completado casi 30 canciones nuevas. Prefiriendo evitar un álbum doble, la banda guardó muchas de las canciones para su próximo lanzamiento, el álbum Amnesiac 2001 . La banda discutió sobre la lista de pistas, según informes, acercándolos a una ruptura. Finalmente se decidió que Kid A comenzaría con "Every Thing in Its Right Place" . Yorke consideraba que la canción , que fue escrita en el piano y ordenador, era más la representativa del nuevo disco, y en un principio quería lanzarlo como una sola.


Kid A fue descrito como "el disco de rock más esperado desde In Utero de Nirvana". De acuerdo con Ed O'Brien, la campaña de marketing intentó disipar las campaña sobre el nuevo álbum.
Capitol creó el "Iblip", un applet de Java que podrían ser embebido en sitios de fans, lo que permite a los usuarios pre-ordenar el álbum y escuchar el streaming de audio antes de su lanzamiento, algo muy avanzado para su época
En una protesta contra la industria de la música, Radiohead decidió no publicar singles oficiales de Kid A

Kid A es influenciada por la década de 1990 artistas IDM Autechre y Aphex Twin, [junto con otros en Warp Records, de 1970 bandas de krautrock como Can, Faust y Neu; y por el jazz de Charles Mingus, Alice Coltrane y Miles Davis

Él dijo que usó una manipulación vocal para distanciarse de su materia "brutal y horrible", que no lo podría habet hecho sino fuese por eso. Para por lo menos, parte de la letra, Yorke cortó palabras y frases, y los sacó de un sombrero

Yorke también citó "Captive State: The Corporate Takeover of Britain" como una influenciaYorke y otros miembros de la banda participaron en movimientos para ayudar el tercer mundo durante este período. Por eso lgunos sienten Kid A transmite un punto de vista anti-consumista, que expresa la percepción de la banda del capitalismo global
Yorke dijo que el álbum era parte de "la generación que heredará la tierra cuando hemos aniquilado todos".Sin embargo, se ha negado a explicar su composición en términos políticos.

Agaetis Byrjun

Ágaetis Byrjun- Sigur Ros

"Ágaetis Byrjun" fue el disco que puso en el ojo del huracán al grupo, gracias sobre todo a su elección como teloneros de Radiohead para la presentación del controvertido "Kid A", pero también al eficaz boca-oreja y a una promoción basada en cuidadísimos videoclips, ya clásicos, del inesperado hit "Svefn-g-englar" y "Viôrar vel til loftárasa"

Ágætis byrjun (Un buen comienzo) es el segundo disco oficial de la banda, lanzado en 1999 por el sello discográfico Fatcat Records, grabado entre el verano de 1998 y la primavera de 1999 y producido por Kent Thomas. Con este álbum Sigur Rós alcanzaría la fama mundial, y la crítica lo declararía como disco imprescindible. La forma de grabar el disco fue bastante inusual: primero se grabó la batería y el bajo. Luego se hicieron arreglos sobre esta base, capa por capa.
En este segundo disco ya están totalmente presentes todas las constantes de la música de Sigur Rós: tiempos largos (la media estaría en unos desconcertantes siete minutos), que huyen de las prisas y se toman todo el tiempo del mundo para llegar a donde desean, aunque eso implique que la voz aparezca cuatro minutos después de comenzar el tema o que haya minutos enteros de ruiditos electrónicos; elaboradas y preciosas orquestaciones que por una vez no están de mero adorno y encajan perfectamente en las complejas estructuras musicales; 

Agaetis byrjun supuso un enorme cambio en el sonido de la banda, ya que en gran parte se deshizo de las influencias pop electro - sueño , y la abrazó , un ambiente etéreo frío y exuberantes  sonidos capas. El álbum tomó casi un año para grabar , y es fácil ver por qué . El registro al parecer está llena de infinitas capas , fusionándose en algo más que la suma de sus partes. Cuerdas , percusión y  falsetes de Jónsi mezclan perfectamente, y el tiempo que tomó para que sea perfecta muestra claramente , como Agaetis byrjun rara vez , o nunca, baja en la calidad. El álbum se siente más "crudo " en comparación con otras obras como() y Takk .... Las voces no son tan suave, y las transiciones entre falsete y el canto normal es muy obvio. En lugar de tonos puros , el rumor de la respiración se puede escuchar en los distintos instrumentos de viento utilizados. Estas pequeñas imperfecciones en realidad agregan cantidades indelebles de encanto en el registro , dando carácter y belleza a los defectos e imperfecciones menores .

Evidentemente, y con estos antecedentes, podemos adivinar que la mejor manera de disfrutar de "Ágaetis Byrjun" es escuchándolo de principio a fin. El tono es hasta cierto punto homogéneo y no hay estridencias gratuitas que rompan la perfecta comunión de todas sus piezas, por lo que, unido a lo extenso y a veces difuso de los temas, puede hacerse difícil distinguir uno de otro en las primeras escuchas. Pero una vez escuchada varias vecea, creo que es difícil no caer ante los encantos de una música tan hermosa: desde la épica introducción con la citada "Svegn-G-Englar" (banda sonora del Ártico desde ya) y la delicada melancolía de "Starálfur", a la desgarrada emoción y hasta desesperación de "Flugufrelsarinn" y, sobre todo,"Viôrar Vel Til Loftárasa"; de la repentina ferocidad de "Ny Batterí" a esa orquesta para una fiesta en el campo que es"Olsen Olsen" (cantada en Vonlenska, idioma inventado por la propia banda) o la más doméstica y risueña tranquilidad de la propia "Ágaetis Byrjun". Un crisol de varios mundos dentro de la personal musicalidad de estos islandeses.

 En el momento de su lanzamiento, el álbum no es exactamente tuvo exito. Dos años despues de su álbum debut, Von, Sigur Ros eran todavía un hecho desconocido, en la frontera de la franja de avance y desapareciendo en la oscuridad. Procedente de Islandia, un minúsculo, frío, isla nación millas de distancia de cualquier continente bulliciosa, Sigur Ros no acababa de tener las herramientas necesarias para hacer una impresión en la escena internacional.  Sigur Ros fueron apenas sobreviviendo. Por lo tanto, Agaetis byrjun flotaba durante algunos meses hasta que un impresionante juego de radio ayudó a impulsar las ventas de discos. Con el Internet en este momento comenzo a   convertirse en un caldo de cultivo para el descubrimiento musical, el álbum encontró su camino en los blogs y sitios web, y con el tiempo en un éxito internacional.
"Un buen comienzo" marcó el inicio para Sigur Rós como una de las bandas fundamentales del nuevo siglo; uno de los máximos exponentes de ese género tan discutido e indefinido que es el post-rock, a pesar de que ellos prefieren seguir volando a su aire componiendo su extraña música de forma natural, que resultaría artificial si proviniese de cualquier otro.